Clip Art se ha utilizado en varias formas desde mediados del siglo pasado. Las publicaciones impresas, las agencias de publicidad, etc., contrataron «ilustradores de puntos» en las décadas de 1930, 1940, 1950 y 1980 para crear imágenes rápidas en blanco y negro para acompañar anuncios, artículos, foros, cuentos y otras obras literarias que necesitaba un elemento gráfico para ayudar a atraer al lector.
El medio más antiguo y popular utilizado para crear imágenes prediseñadas fue la pluma y la tinta. Los dibujos a pluma y tinta o «Line Art», se crearon tal como su nombre lo indica, con una pluma de inmersión o «nib» y un tintero lleno de tinta negra. El Artista, llamémoslo «Art Guy», mojaba su pluma en el tintero, golpeaba el excedente de tinta en el borde de la botella y, con mano firme, comenzaba a dibujar su ilustración. Un papel de alta calidad con un acabado suave, que a veces incluía vitela, era y sigue siendo la elección de la mayoría de los artistas. Algunos artistas prefirieron dibujar su tema con un lápiz primero para crear una «plantilla» sobre la cual aplicar la tinta.
Una vez completada la ilustración, se dejó secar sola. Para secar la tinta más rápidamente, algunos artistas usaron «Pounce», que es un polvo fino que se rocía con moderación sobre la ilustración húmeda. El polvo Pounce se puede crear utilizando una variedad de materiales que incluyen arena, esteatita, talco e incluso sal finamente molida. Pounce también es utilizado por calígrafos.
Una vez que la ilustración estuvo seca, se le entregó al operador de Stat Camera y se fotografió en un cuarto oscuro para crear una película a partir de la obra de arte lista para la cámara. Se pueden crear imágenes en blanco y negro sombreadas o de «medio tono» a partir del arte completamente negro utilizando varios filtros de patrones de puntos y luego transferirlos al papel. Usando este proceso, se podrían crear infinitas copias de la obra de arte original, al igual que las máquinas de copia electrónica inventadas muchas décadas después. Luego, las copias en papel fueron recortadas y «cortadas a medida» en preparación para el proceso de publicación y luego «Art Guy» se dirigió a la sala de producción para hacer su «diseño» genial.
Los «diseños» se crearon combinando texto e imágenes de una manera agradable y adhiriendo los diversos objetos al papel rayado. Las reglas ayudaron al artista de producción a alinear las imágenes tanto horizontal como verticalmente. Impreso con tinta azul, las reglas no se podían fotografiar, lo que hacía que las reglas fueran invisibles en la publicación impresa final. La adhesión del texto y las imágenes al papel rayado se logró mediante el uso de una variedad de métodos. Los pegamentos domésticos eran una opción común, pero en la década de 1940 la cera de abejas se hizo popular. Las máquinas de cera electrónicas se conectaron a un tomacorriente y se dejaron calentar. Se insertaron bloques de cera de abejas en un tanque de calentamiento dentro de la máquina y el calor del tanque derritió la cera en líquido. Un mecanismo en la parte superior de la máquina permitía al usuario alimentar el clip art en un extremo «seco» y luego recuperar el arte del otro extremo «encerado». La máquina solo enceró un lado del papel, lo que permitió al usuario fijar la imagen en el papel de diseño con una herramienta de pulido y un rodillo de goma. El texto se aplicó usando el mismo proceso. Luego, el diseño completo se llevó al cuarto oscuro donde se filmó con una cámara y se creó un negativo de película. Un breve proceso más tarde y el negativo de la película se convirtió en una plancha «positiva» lista para la impresión offset.
A medida que avanzaba la industria de las publicaciones, los artistas gráficos y los diseñadores gráficos descubrieron que era más fácil reutilizar las imágenes preexistentes que ya habían tomado y preparado para la publicación de la semana anterior. Entonces, en lugar de dibujar las mismas ilustraciones una y otra vez, reciclaron el antiguo Line Art… ¡y listo! Production Clip Art nació y, lamentablemente, «Art Guy» se quedó sin trabajo.
Rápidamente, las bibliotecas de Publication House se llenaron de miles y miles de imágenes recortadas. Durante las próximas décadas, las reservas de imágenes comenzaron a invadir los departamentos de arte en todas partes. Luego, afortunadamente a principios de la década de 1980, las computadoras personales y la «era digital» salvaron la industria. Ahora, utilizando un invento futurista llamado «escáner», se podría colocar una imagen de clip impresa en una bandeja de escaneo y convertirla en X y O digitales y almacenarla en el disco duro de una computadora para una fácil referencia. Para alguien que no está familiarizado con la industria, esto no suena como un avance histórico emocionante, pero hablando personalmente tanto del lado del operador de cámara del cuarto oscuro como de un ilustrador experimentado o «Art Guy» que se curtió en la publicidad. industria a principios de los años 80, ¡los escáneres eran un regalo de Dios! Escanear imágenes en realidad se convirtió en un trabajo de tiempo completo en algunas empresas, y ¡pum! Así, «Art Guy» se convirtió en «Scanner Man».
Pronto todo el mundo estaba usando imágenes prediseñadas y, lamentablemente, los ilustradores puntuales y los artistas independientes (como yo), que anteriormente disfrutaban de un gran nicho de mercado, quedaron obsoletos. Cientos de editoriales y empresas de servicios digitales se subieron al carro de las imágenes prediseñadas digitales (e impresas). Con suerte, muchos de esos ilustradores de anuncios publicitarios desempleados a los que me acabo de referir, encontraron un nuevo nicho, siempre que tomaran el nuevo medio informático bajo su ala. Si estaba dispuesto a renunciar a su pluma y tintero y cambiarlos por una computadora personal, tenía una buena oportunidad de salvar su sustento. De lo contrario, seguiste el camino de los dinosaurios.
Con el paso de los años, todo el proceso se volvió menos práctico y más orientado a la producción. Dejame explicar. La primera etapa de la creación de arte digital sería algo así. Un artista dibujaría una imagen usando solo tinta negra. Él (o ella) luego tomaría la imagen y la colocaría boca abajo en un escáner. Usando un software de escaneo, el artista elegiría configuraciones específicas que incluyen Resolución, Escala, etc., y luego «escanearía» la imagen, creando así un archivo con formato digital. El artista podía elegir qué formato de archivo se adaptaba mejor a sus necesidades para producir el producto final. Los formatos de archivo más comunes para Line Art en ese momento eran.bmp (mapa de bits) o.pic (abreviatura de formato PICtor). A medida que las fotos escaneadas se hicieron más populares como imágenes prediseñadas, los formatos de archivo como.tiff (formato de archivo de imagen etiquetada) y.jpg (o.jpeg) se hicieron más populares. Pronto surgió la red mundial, lo que creó una gran necesidad de archivos de menor resolución que se descargaran más rápidamente y, por lo tanto, los archivos .gif (formato de interfaz gráfica) y .jpg se convirtieron en la norma para ese medio. Ambos formatos de archivo se consideraron archivos de trama, o más bien archivos basados en una estructura de datos de matriz de puntos, y la resolución podría reducirse a 72 ppp (puntos por pulgada) y el usuario de la web aún luciría limpio y nítido. Y sí, ahora «Scanner Man» recibe un nuevo título de trabajo y ahora se convierte en «Production Guy».
Con el paso de los años, los archivos vectoriales (o archivos basados en expresiones matemáticas), cuyo formato de archivo popular. ampliada o reducida en escala sin perder resolución o la «nítida» de la imagen. Toda la industria dio un giro a la izquierda. Hasta el día de hoy, los archivos .eps siguen siendo el formato de imágenes prediseñadas estándar de la industria.
Analicemos por un momento cómo se crea un archivo.eps. Al igual que crear un archivo.jpg o.tiff como se describió anteriormente, la línea de arte «en papel» se escanea con un software de escaneo, pero en lugar de crear un archivo con una resolución «media» de quizás 150 ppp, el artista elige la resolución más óptima. posible. ¡El truco es crear un archivo raster de alta resolución que no ocupe todo el espacio restante en su disco duro! Cuanto más grande sea el archivo, más información de datos, mejor será la calidad. He aquí por qué más información es clave. Una vez que se crea el archivo ráster, el artista importa ese archivo ráster (matriz de puntos), creado con puntos, y lo importa a un programa de conversión de archivos vectoriales que convierte ese archivo en vectores limpios y nítidos. ¡Bam! Otro trabajo «no tan creativo» dado a «Production Guy!» Pronto, en las agencias de publicidad y editoriales más grandes, los artistas que una vez fueron contratados para dibujar imágenes originales, pasaron la mayor parte de su día convirtiendo copias impresas de catálogos de imágenes prediseñadas en archivos vectoriales digitales para los fanáticos de la informática en el departamento de arte. Al principio, el proceso para convertir algunas imágenes escaneadas en vectores podía llevar varias horas. Ahora, la mayoría de los programas de software gráfico estándar de la industria tienen herramientas de conversión de vectores «incorporadas» y todo el proceso se puede ejecutar en minutos o incluso segundos. Esto en cuanto al trabajo de «Chico de Producción». Con la llegada del nuevo software de diseño gráfico, su puesto también quedó obsoleto.
Pero, no se sientan mal por «Production Guy», en los últimos años aquellos en los campos creativos se han cansado de ver «lo mismo de siempre» y «Production Guy» ha cerrado el círculo. Después de haber desempeñado todos los roles que hemos discutido anteriormente, el viejo «Art Guy» (yo) y otros artistas independientes están disfrutando de una especie de renacimiento y las compañías más grandes que buscan ilustraciones modernas y vanguardistas nos están poniendo de nuevo a trabajar. Pero no se preocupe, las viejas imágenes prediseñadas «probadas y verdaderas» tienen su lugar asegurado en el mercado de imágenes prediseñadas «libres de regalías». Analicemos el término «libre de regalías» a continuación.
A medida que las empresas de imágenes prediseñadas y las casas de fuentes crecían y crecían, descubrieron que algunas imágenes y fuentes se vendían mejor que otras. Por supuesto, el primer pensamiento que se le ocurre a cualquier hombre de negocios o emprendedor es: «¿Cómo gano dinero con estas imágenes ‘premium’?» La respuesta por supuesto, cobrar un precio «premium» por aquellas imágenes que se venden mejor que otras. El resto de las imágenes de «stock clip art» se convirtieron en trampolines para vender los archivos premium de la galería. Los premios se colocaron en imágenes prediseñadas que tenían más detalles, consistían en un tema más interesante o simplemente eran más únicas y se destacaban del resto del paquete. Los archivos grandes de fondo, marco o borde con más detalles tenían un precio más alto que las ilustraciones puntuales más pequeñas. Las ilustraciones de archivo específicas para las festividades con temas como Navidad, Halloween, Acción de Gracias y Pascua, junto con las ilustraciones que generan una mayor demanda o interés, se cotizaron por encima de las imágenes cotidianas más comunes. En pocas palabras, las empresas de ilustraciones de stock crearon su propia «demanda de mercado» para, literalmente, cualquier imagen o conjunto de imágenes que eligieran. Durante un tiempo, este «esquema» funcionó, y hasta el día de hoy, en un nivel más pequeño, todavía lo hace. Los que tienen dinero siempre podrán permitirse pagar una prima. Pero, ¿qué pasa con el «pequeño hombre» que no podía pagar las primas? ¡El olor a «revolución» estaba en el aire!
Con la caída de la economía de EE. UU. poco después del 11 de septiembre, las grandes casas de imágenes prediseñadas que dependían de las costosas primas que se habían aprovechado de su base de clientes leales durante años antes, recibieron una paliza en el mercado y, como resultado, las imágenes prediseñadas más pequeñas empezaron a surgir empresas. Los ilustradores de Old Spot como yo, que habían guardado sus galerías y galerías de viejas y polvorientas imágenes de imágenes prediseñadas, tuvieron la idea de darles a las grandes compañías de imágenes prediseñadas algo de competencia al ofrecer imágenes «Libres de regalías», ¡o imágenes SIN PREMIOS! ¿Adivina qué? ¡Funcionó! Las imágenes libres de regalías y las colecciones se convirtieron en la norma (otra vez). ¡Los directores de arte y los diseñadores gráficos que alguna vez se inclinaron ante las enormes agencias de imágenes prediseñadas se despertaron y olieron el café que se estaba preparando! Era hora de un cambio en la industria y el cambio había llegado. Ya no estabas atado a usar las mismas imágenes «repetidas» ofrecidas por quizás cinco o seis compañías gigantes de arte en stock. ¡El mundo de las imágenes prediseñadas se estaba abriendo a los artistas rebeldes con sus creaciones de imágenes prediseñadas más pequeñas e infinitamente más únicas y la revolución finalmente había llegado!
Ahora «Art Guy» está de vuelta en el negocio, haciendo lo que más le gusta… ¡DIBUJAR! Tal vez haya cambiado su plumilla y su tintero por una computadora personal y un mouse o tableta de dibujo, pero está feliz y contento una vez más… ¡¡¡Y YO SOY !!!
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